domingo, 29 de abril de 2012

URUBURBANO CÊNICO PRODUÇOES ARTÍSTICA

WORKSHOP com o: Coach- diretor - ator - encenador americano




CLYDE BALDO



Tradução simultanea do ator carioca: Mario Braga



do dia 21 a 25 de maio



INSCRIÇÕES NO LOCAL



Informações: www. uruburbanocenico.com.br ou



telefones: 11 3569-7934 / 3807-7934



Vagas Limitadas



domingo, 8 de abril de 2012

Introdução


A Semana de Arte Moderna ocorreu no Teatro Municipal de São Paulo, em 1922, tendo como objetivo mostrar as novas tendências artísticas que já vigoravam na Europa. Esta nova forma de expressão não foi compreendida pela elite paulista, que era influenciada pelas formas estéticas européias mais conservadoras. O idealizador deste evento artístico e cultural foi o pintor Di Cavalcanti.

Cada dia da semana foi dedicado a um tema: respectivamente, pintura e escultura, poesia, literatura e música.

Arte Moderna

Em um período repleto de agitações, os intelectuais brasileiros se viram em um momento em que precisavam abandonar os valores estéticos antigos, ainda muito apreciados em nosso país, para dar lugar a um novo estilo completamente contrário, e do qual, não se sabia ao certo o rumo a ser seguido. .

No Brasil, o descontentamento com o estilo anterior foi bem mais explorado no campo da literatura, com maior ênfase na poesia. Entre os escritores modernistas destacam-se: Oswald de Andrade, Guilherme de Almeida e Manuel Bandeira. Na pintura, destacou-se Anita Malfatti, que realizou a primeira exposição modernista brasileira em 1917. Suas obras, influenciadas pelo cubismo, expressionismo e futurismo, escandalizaram a sociedade da época. Monteiro Lobato não poupou críticas à pintora, contudo, este episódio serviu como incentivo para a realização da Semana de Arte Moderna.

Como foi

A Semana, realizada entre 11 e 18 de fevereiro de 1922, ou seja, somente nos dias 13 – 15 – e 17 de fevereiro, apenas três dias. Foi à explosão de idéias inovadoras que aboliam por completo a perfeição estética tão apreciada no século XIX. Os artistas brasileiros buscavam uma identidade própria e a liberdade de expressão; com este propósito, experimentavam diferentes caminhos sem definir nenhum padrão. Isto culminou com a incompreensão e com a completa insatisfação de todos que foram assistir a este novo movimento. Logo na abertura, Manuel Bandeira, ao recitar seu poema Os sapos, foi desaprovado pela platéia através de muitas vaias e gritos. .Embora tenha sido alvo de muitas críticas, a Semana de Arte Moderna só foi adquirir sua real importância ao inserir suas idéias ao longo do tempo. O movimento modernista continuou a expandir-se por divulgações através da Revista Antropofágica e da Revista Klaxon, e também pelos seguintes movimentos: Movimento Pau-Brasil, Grupo da Anta, Verde-. Amarelismo e pelo Movimento Antropofágico. Todo novo movimento artístico é uma ruptura com os padrões utilizados pelo anterior, isto vale para todas as formas de expressões, sejam elas através da pintura, literatura, escultura, poesia, etc. Ocorre que nem sempre o novo é bem aceito, isto foi bastante evidente no caso do Modernismo, que, a principio, chocou por fugir completamente da estética européia tradicional que influenciava os artistas brasileiros.

Curiosidades sobre a Semana de Arte Moderna:

- Durante a leitura do poema "Os Sapos", de Manuel Bandeira (leitura feita por Ronald de Carvalho), o público presente no Teatro Municipal fez coro e atrapalhou a leitura, mostrando desta forma a desaprovação.

Participaram da Semana nomes consagrados do modernismo brasileiro, como Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Víctor Brecheret, Plínio Salgado, Anita Malfatti, Menotti Del Pichia, Guilherme de Almeida, Sérgio Milliet, Heitor Villa-Lobos,Tácito de Almeida, Di Cavalcanti entre outros, e como um dos organizadores o intelectual Rubens Borba de Moraes que, entretanto, por estar doente, dela não participou[1]. Na ocasião da Semana de Arte Moderna, Tarsila do Amaral, considerada um dos grandes pilares do Modernismo Brasileiro, se achava em París e, por esse motivo, não participou do evento.

Semana de Arte Moderna



Capa do catálogo da Semana da Arte Moderna.











- No dia 17 de fevereiro, Villa-Lobos fez uma apresentação musical. Entrou no palco calçando num pé um sapato e em outro um chinelo. O público vaiou, pois considerou a atitude futurista e desrespeitosa. Depois, foi esclarecido que Villa-Lobos entrou desta forma, pois estava com um calo no pé.

Embora alguns artistas não estivessem na cerimônia como: Lasar Segal, Tarcila do Amaral, Jhon Graz, Zina Aita, Regina Graz e outros, contribuíram muito para que o evento fosse realizado.

sábado, 7 de abril de 2012

HISTÓRIA DA ARTE CONTEMPORANEA 8ª SÉRIE - 2012

HITORIA DA ARTE CONTEMPORANEA


Que este processo de fazer arte cause estranheza, não admira; o que admira é que haja cousa alguma que não cause estranheza." Fernando Pessoa

A contemporaneidade na arte pode ser delimitada pela produzida depois da 2ª Guerra Mundial. É caracterizada por apresentar uma ampla disposição para a experimentação, levando os artistas a realizarem uma fusão de linguagens, materiais e tecnologias.

Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se embora não se pode levar considerar essa o estilo no pé da letra. A Arte é mutante.

ARTE CONTEMPÔRANEA, é um período artístico que surgiu na segunda metade do século XX e se prolonga até aos dias de hoje. Após a Segunda Guerra Mundial, sobrepõe-se aos costumes a necessidade da produção em massa. Quando surge um movimento na arte, esse movimento revela-se na pintura, na literatura, na moda, no cinema, e em tantas outras artes tão diferentes. Sendo a arte transcendente, para um determinado movimento surgir é muito provável que surge antes na sociedade.

A arte começa a incorporar ao seu repertorio questionamentos bem diferentes das rupturas propostas pelas Arte Moderna e as Vanguardas Modernistas.

Este período evidencia-se fulminantemente na década de 60, com o aviso de uma viagem ao espaço. As formas dos objetos tornam-se, quase subitamente, aerodinâmicas, alusivas ao espaço, com forte recorrência ao brilho do vinil. Na década de 70 a arte contemporânea é um conceito a ter em conta. Surge, enfim a Op Art,( é um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões ópticas.

A expressão "op-art" vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização).

Identificação de um estilo obra da “Op – Art” – Do movimeto da Arte Contemporaneo.



(Templo do amarelo radiante)Richard Anuszkiewicz

Baseada na «geometrização» da arte, Pop Art, (principais artistas: Andy Warhol e Roy Liechtenstein)baseada nos ícones da época, no mundo festivo dos setentas, uma arte comercial, que mais tarde se tornaria uma arte erudita.

A partir de meados das décadas de 60 e 70, notou-se que a arte produzida naquele período já não mais correspondia à Arte Moderna do início do século XX. A arte contemporânea entra em cena a partir dos anos 70, quando as importantes mudanças no mundo e na nossa relação de tempo e espaço transformam globalmente os seres humanos.

Entre os movimentos mais célebres estão: a Op Art, Videoarte, a Happening, a Fluxus, a Pop Art, o Expressionismo Abstracto, a Arte conceptual, a Arte Povera, o Minimalismo, a Body Art, o Fotorrealismo, a Internet Art e a Street Art, a arte das ruas, baseada na cultura do grafiti e inspirada faccionalmente na geração hip-hop, tida muitas vezes como vandalismo.

As novas tecnologias para a arte contemporânea não significam o fim, mas um meio à disposição da liberdade do , que se somam às amador e aos suportes tradicionais, para questionar o próprio visível, alterar a percepção, propor um enigma e não mais uma visão pronta do mundo. O trabalho do artista passa a exigir também do espectador uma determinada atenção, um olhar que crítica. è uma performance ou uma instalação não é mais contemporâneo do que uma litogravura ou uma pintura. A atualidade da arte é colocada em outra perspectiva. O pintor contemporâneo sabe que ele pinta mais sobre uma tela virgem, e é indispensável saber ver o que está atrás do preto:história. O que vai determinar a contemporaneidade é a qualidade da linguagem, o uso preciso do meio para expressar uma ideia, onde pesa experiência e informação. Não é simplesmente o manuseio do pincel ou do computador que vai qualificar a atualidade de uma obra de arte.

História

1950

Expressionismo Abstracto

American Figurative Expressionism

Lyrical Abstraction

1960

Expressionismo Abstracto

Abstract Imagists

Computer art

Arte conceptual

Fluxus

Happenings

Videoarte

Lyrical Abstraction

Minimalismo

Neo-Dada

Nouveau Réalisme

Op Art

Performance art

Pop Art

Postminimalism

Kinetic art

1970

Arte Povera

Ascii Art

Bad Painting

Body art

Artist's book

Feminist art

Installation art

Land Art

Fotorrealismo

Postminimalism

Process Art

Video art

Funk art

1980

Demoscene

Electronic art

Grafiti

Live art

Mail art

Postmodern art

Neo-conceptual art

Neoexpressionism

Neo-pop

Sound art

Transgressive art

Video installation

1990

CyDigital Art

Information art

Internet art

Massurrealism

Maximalism

New media art

Software art

2000


Classical realism

Relational art

Street art

Stuckism

Superflat

Videogame art

VJ art

Virtual art

IMAGEM & POESIA

Digital Multimidia Art


quinta-feira, 9 de junho de 2011

SÉTIMA SÉRIE 2011 - LEIA COM ATENÇÃO

SETIMA SÉRIE

TEXTO
O TEATRO BRASILEIRO
Ao tempo de Onde canta o sabiá, o Brasil vivia no compasso da República Velha, que tinha a sua base econômica sustentada pelo café. É um momento de grande especulação e euforia esse dos anos 20. Ainda não se tem a noção concreta da crise financeira que se abateria sobre o mundo no final da década: 1929, crack da Bolsa de Nov York. Enquanto a crise não chega, São Paulo e Rio de Janeiro podem rir com tranqüilidade assistindo a comédia de graça fácil, como por exemplo Cala a boca, Etelvina...de autoria de Armando Gonzaga, estrada em 1925 no Teatro Trianon do Rio de Janeiro. São Paulo e Rio não tinham mais que 600 mil habitantes e contavam com três ou quatro casas de espetáculo. Um público assíduo, formado pela burguesia aristocrática, transformou alguns atores em ídolos populares. Os dois mais importantes intérpretes desses anos foram Leopoldo Fróis e Procópio Ferreira. Até a altura dos anos 30, a característica básica da dramaturgia nacional foi o texto cômico, encenado por companhias profissionais que já se haviam tornado familiares ao público fiel. As peças ficavam poço tempo em cartaz e vale ressaltar que não havia a presença do diretor de teatro: o espetáculo era centrado na figura do ator-ídolo, senhor absoluto do palco. A improvisação foi a marca de muitos atores, que inseriam “cacos” nos textos, contribuindo, assim, para manter o clima de comédia que caracterizou esse teatro.
O TEATRO A PARTIR DA DECADA DE 80
Década de 80 – A diversidade é o principal aspecto do teatro dos anos 80. O período se caracteriza pela influência do pós-modernismo movimento marcado pela união da estética tradicional à moderna. O expoente dessa linha é o diretor e dramaturgo Gerald Thomas.
Montagens como Carmem com Filtro, Eletra com Creta e Quartett apresentam um apuro técnico inédito. Seus espetáculos dão grande importância à cenografia e à coreografia. Novos grupos teatrais, como o Ponkã, o Boi Voador e o XPTO, também priorizam as linguagens visuais e sonoras. O diretor Ulysses Cruz, da companhia Boi Voador, destaca-se com a montagem de Fragmentos de um Discurso Amoroso, baseado em texto de Roland Barthes. Outros jovens encenadores, como José Possi Neto (De Braços Abertos), Roberto Lage (Meu Tio, o Iauaretê) e Márcio Aurélio (Lua de Cetim), têm seus trabalhos reconhecidos. Cacá Rosset, diretor do Ornitorrinco, consegue fenômeno de público com Ubu, de Alfred Jarry. Na dramaturgia predomina o besteirol – comédia de costumes que explora situações absurdas. O movimento cresce no Rio de Janeiro e tem como principais representantes Miguel Falabella e Vicente Pereira. Em São Paulo surgem nomes como Maria Adelaide Amaral, Flávio de Souza, Alcides Nogueira, Naum Alves de Souza e Mauro Rasi. Trair e Coçar É Só Começar, de Marcos Caruso e Jandira Martini, torna-se um dos grandes sucessos comerciais da década. Luís Alberto de Abreu – que escreve peças como Bella, Ciao e Xica da Silva – é um dos autores com obra de maior fôlego, que atravessa também os anos 90.

1987 – A atriz performática Denise Stoklos desponta internacionalmente em carreira solo. O espetáculo Mary Stuart, apresentado em Nova York, nos Estados Unidos, é totalmente concebido por ela. Seu trabalho é chamado de teatro essencial porque utiliza o mínimo de recursos materiais e o máximo dos próprios meios do ator, que são o corpo, a voz e o pensamento.
Década de 90 – No campo da encenação, a tendência à visualidade convive com um retorno gradativo à palavra por meio da montagem de clássicos. Dentro dessa linha tem destaque o grupo Tapa, com Vestido de Noiva, de Nélson Rodrigues e A Megera Domada, de William Shakespeare. O experimentalismo continua e alcança sucesso de público e crítica nos espetáculos Paraíso Perdido (1992) e O Livro de Jó (1995), de Antônio Araújo. O diretor realiza uma encenação ritualizada e utiliza-se de espaços cênicos não-convencionais – uma igreja e um hospital, respectivamente. As técnicas circenses também são adotadas por vários grupos. Em 1990 é criado os Parlapatões, Patifes e Paspalhões. A figura do palhaço é usada ao lado da dramaturgia bem-humorada de Hugo Possolo, um dos membros do grupo. Também ganha projeção a arte de brincante do pernambucano Antônio Nóbrega. O ator, músico e bailarino explora o lado lúdico na encenação teatral, empregando músicas e danças regionais.Outros nomes de destaque são Bia Lessa (Viagem ao Centro da Terra) e Gabriel Villela (A Vida É Sonho). No final da década ganha importância o diretor Sérgio de Carvalho, da Companhia do Latão. Seu grupo realiza um trabalho de pesquisa sobre o teatro dialético de Bertolt Brecht, que resulta nos espetáculos Ensaio sobre o Latão e Santa Joana dos Matadouros.
1993 – O diretor Zé Celso reabre o Teatro Oficina, com a montagem de Hamlet, clássico de Shakespeare. Zé Celso opta por uma adaptação que enfoca a situação política, econômica e social do Brasil.
1998 – Estréia Doméstica, de Renata Melo, espetáculo que tem forte influência da dança. Essa encenação dá seqüência ao trabalho iniciado em 1994, com Bonita Lampião. Sua obra se fundamenta na elaboração da dramaturgia pelos atores, por meio do estudo do comportamento corporal das personagens.
1999 – Antunes Filho apresenta Fragmentos Troianos, baseada em As Troianas, de Eurípedes. Pela primeira vez, o diretor monta uma peça grega. Essa montagem é resultado da reformulação de seu método de interpretação, alicerçado em pesquisas de impostação da voz e postura corporal dos atores.
2000 – Antonio Araújo encena Apocalipse 1,11 em um presídio desativado, em São Paulo. Sua montagem, blasfema e iconoclasta, é baseada no texto bíblico de são João. A peça encerra uma trilogia de temas sacros, encenados em 2000. O título faz uma referência ao livro sagrado e também ao 111 presos mortos no maior já ocorrido durante uma rebelião na penitenciária do Carandiru, em São Paulo. Um detalhe: José Barbosa, autor desde 1975 com a primeira peça que foi “Afeto para mamãe”. Após esse trabalho com o grupo teatral GRUTEBO, são no total até hoje 21 (vinte e um )textos entre eles: Exemplo Exemplar, Escritório Imaginário, Tire seu Irmão das Trevas, Cicatriz da Vida e outras. Já com outra companhia de Teatro que é o atual Uruburbano Cênico vieram os textos: Herança de Babel, De Jeito a Jeito só Dando Jeito, A Arte da Natureza, Estória do Conto da História, Síndrome do Descaso, Face a Face em Confissões Perdidas e por ultimo, “Conseqüência dos Fatos”.
No meados dos anos 70 e 80 quando iniciamos, até hoje, quem quer aprender na área das Artes Cênicas procurava uma vaga no elenco do Grutebo hoje Cia. Uruburbano Cênico, onde damos importância a história que nos ensina que a criatividade humana se aguça diante das mudanças e encontra novas formas de valorização do trabalho para os jovens que buscam uma valorização de Ser diante de uma Sociedade que muitas vezes nos despreza. Tentamos adquirir uma inclusão desta mesma pessoa na Sociedade dando a ela uma visão de querer é poder.
ATIVIDADES
1a. P r o p o s t a
Crie dez perguntas com respostas.
2a. P r o p o s t a Pesquise uma biografia de uns dos nomes apresentado no segundo bimestre e uma peça
ENTREGAR AS PROPOSTAS DO DIA 21 ATÉ O DIA 26 de junho

6ª SÉRIE 2011 - SEGUNDO BIMESTRE - HISTÓRIA DO TEATRO

T E A T R O
H I S T Ó R I A
Teatro e Catequese
TEATRO DOS JESUÍTAS - SÉCULO XVI
Nos primeiros anos da colonização, os padres da chamada Companhia de Jesus (Jesuítas), que vieram para o Brasil, tinham como principal objetivo a catequese dos índios. Eles encontraram nas tribos brasileiras uma inclinação natural para a música, a dança e a oratória. Ou seja: tendências positivas para o desenvolvimento do teatro, que passou a ser usado como instrumento de "civilização" e de educação religiosa, além de diversão. O teatro, pelo "fascínio" da imagem representativa, era muito mais eficaz do que um sermão, por exemplo.
As primeiras peças foram, então, escritas pelos Jesuítas, que se utilizavam de elementos da cultura indígena (a começar pelo caráter de "sagrado" que o índio já tinha absorvido em sua cultura), até porque era preciso "tocar" o índio, falando de coisas que ele conhecia. Misturados a esses elementos, estavam os dogmas da Igreja Católica, para que o objetivo da Companhia - a catequese - não se perdesse.
As peças eram escritas em tupi, português ou espanhol (isso se deu até 1584, quando então "chegou" o latim). Nelas, os personagens eram santos, demônios,imperadores e, por vezes, representavam apenas simbolismos, como o Amor ou o Temor a Deus. Com a catequese, o teatro acabou se tornando matéria obrigatória para os estudantes da área de Humanas, nos colégios da Companhia de Jesus. No entanto, os personagens femininos eram proibidos (com exceção das Santas), para se evitar uma certa "empolgação" nos jovens.
Os atores, nessa época, eram os índios domesticados, os futuros padres, os brancos e os mamelucos. Todos amadores, que atuavam de improviso nas peças apresentadas nas Igrejas, nas praças e nos colégios. No que diz respeito aos autores, o nome de mais destaque da época é o de Padre Anchieta . É dele a autoria de Auto de Pregação Universal, escrito entre 1567 e 1570, e representado em diversos locais do Brasil, por vários anos.Logo em seguida o auto de Anchieta foi: Na festa de São Lourenço também conhecido como Mistério de Jesus.
A história do teatro no Brasil está intimamente ligado ao desenvolvimento específico da história do país.

SÉCULO XVI

TEATRO DE MARIONETE
Este século marca o segmento do teatro no Brasil, como instrumento dos jesuítas para catequese do público em potencial, ou seja, os índios. O conhecimento dos costumes e dos hábitos da civilização européia e ainda dos dogmas da igrejas era muito difícil de ser absorvido pelos nativos. Padre Anchieta foi um gênio na adaptação do conteúdo de sua mensagem de evangelização, personificando o bem e o mal, as virtudes, as divindades.
Neste período, vem para o Brasil o teatro de fantoches, que representa uma das representa uma das formas mais simples desta arte.
Não precisa de cenários complicados nem de atores, além de ser fácil de transportar.
Fantoches, bonecos e figuras utilizados em funções teatrais.
Anteriores ao teatro escrito e, sem dúvida, à própria escrita.
O títere mais simples é o de luva, ou de mão, que se ajusta sobre a mão e se manipula com os dedos. Os de haste ou bastão, que podem ser planos ou tridimensionais, são manipulados por meio de estacas ou varas, em mãos dos titeriteiros escondidos atrás do palco alto. Os fantoches ou marionetes são bonecos articulados, acionados de cima por meio de cordas ou fios.
O teatro de bonecos vai das simples cenas de dois títeres manipulados por um único titeriteiro, às elaboradas representações em espaço teatral totalmente equipado.
No Brasil o teatro de bonecos tem longa e respeitável tradição, por sua linguagem muito próxima do imaginário popular, com sua capacidade de transformar o maravilhoso em natural e a fantasia em realidade. Seguindo a linha tradicional universal, as histórias, desenvolvidas de improviso a partir de um roteiro-base, têm ação rápida, diálogos curtos e poucos personagens, e as correrias, sustos, pancadas, desmaios, são fatores sempre presentes, mantendo vivo o riso do público.
No nordeste, sobretudo Pernambuco e Paraíba, o ‘mamulengo’ (com bonecos de luva) há muito entrou na história popular, com os boi-bumbá, os frevos e os maracatus. O mamulengueiro, ou ‘mestre’, monta sua ‘empanada’ (lençol que esconde os titeriteiros) nas praças e representa, com ajudantes, histórias por ele inventadas, onde desfilam personagens-tipo bem conhecidos: o Coronel, o Capitão, o Soldado, o Padre, a Mulher, o Negro Benedito, além do Diabo, a Alma, a Onça ou o Cachorro.
Usando as mais diferentes formas de teatro de bonecos, foram surgindo trabalhos cada vez mais elaborados, como os que realiza o Mamulengo Só-Riso, de Fernando Augusto, em Olinda; o Giramundo, de Álvaro Apocalypse, em Belo Horizonte; os Bonecos de Dadá, em Curitiba; o XPTO, em São Paulo, entre outros. Segundo a Associação Brasileira de Teatro de Bonecos (ABTB), há cerca de 200 grupos no país

2º ANO DO ENSINO MÉDIO SEGUNDO BIMESTRE - TEATRO

TEATRO
O teatro, expressão das mais antigas do espírito lúdico da humanidade, é uma arte cênica peculiar, pois embora tome quase sempre como ponto de partida um texto literário (comédia, drama, e outros gêneros), exige uma segunda operação artística: a transformação da literatura em espetáculo cênico e sua transformação direta com a platéia.
Assim, por maior que seja a interdependência entre texto dramático e o espetáculo, o ator e a cena criam uma linguagem específica e uma arte essencialmente distinta da criação literária. A arte dos atores e do diretor de cena não sobrevive à representação; os textos ficam.
Durante os espetáculo, o texto dramático se realiza mediante a metamorfose do ator em personagem. A literatura dramática não é um gênero, como outros, da literatura geral, pela indispensável presença e cooperação do público. Assim, o teatro é principalmente fenômeno social e, como tal, sujeito às leis e dialética históricas. Por isso, não existe teatro em sentido absoluto, com normas permanentes, mas vários teatros, muito diferentes, de diversas épocas e nações quanto mais remotos, tanto menos operantes em períodos seguintes.
Deuses e Deusas da Mitologia Grega
Séculos antes do nascimento de Cristo e do advento do cristianismo, os gregos adoravam um certo número de deuses e deusas que, segundo eles acreditavam, viviam no Monte Olimpo, no sul da Macedônia, na Grécia. As antigas histórias desses deuses inspiraram poetas, pintores e escultores durante vários séculos. Algumas das pinturas e esculturas mais conhecidas e preciosas do mundo representam os deuses do Olimpo e suas aventuras.
Os gregos antigos acreditavam que a terra era de forma achatada e circular, seu ponto central o Monte Olimpo ou Delfos, cidade célebre por causa de seu oráculo. A terra era dividida em duas partes iguais pelo Mar, como era chamado então o Mediterrâneo. Ao redor da terra corria o Rio Oceano, cujo curso regular alimentava o Mar e os rios.
Naqueles tempos remotos, os gregos pouco sabiam sobre a existência de outros povos alem deles mesmos, a não ser dos povos vizinhos as suas terras. Imaginavam que ao norte vivia uma raça de povo feliz, os Hiperbóreos, que viviam numa eterna felicidade. Seu território não podia ser alcançado nem por terra nem por mar. Eles nunca envelheciam nem adoeciam, não trabalhavam, nem guerreavam. Ao sul vivia um outro povo feliz que se chamava Aethiopio. Eram amados pelos deuses que costumavam visitá-los e compartilhar seus banquetes. Ao oeste encontrava-se o lugar o mais feliz de todos, os Campos Elíseos, onde as pessoas que tinham o favor dos deuses eram levadas para viver para sempre sem nunca morrer.
Acreditava-se que a Aurora, o Sol e a Lua levantavam por dentro do oceano do lado oriental da terra e avançavam no ar iluminando tudo. As Estrelas também levantavam do Oceano e se punham nele. Quando o deus sol HELIOS se punha no Oceano, à noite, ele entrava num barco alado que o levava de novo ao seu lugar ao leste por onde devia levantar-se de novo na manha seguinte.
Os deuses viviam em estado de beatitude em sua grandiosa residência no Monte Olimpo. Um portão de nuvens, que guardavam deusas chamadas HORAS ou EPOCAS, abria para permitir a passagem de ida e de volta dos deuses na terra. Os deuses dispunham de residências separadas, mas seu ponto de encontro era o grande palácio de ZEUS, o rei dos deuses. Em seu grande palácio, eles festejavam todos os dias, comendo ambrósia e bebendo néctar, servidos pela graciosa HEBE, deusa da juventude e, mais tarde, por GANIMEDES. Conversavam sobre assuntos do céu e da terra e, enquanto bebiam o néctar que Hebe servia, APOLO tocava sua lira e as MUSAS cantavam. Quando caia o sol, os deuses recolhiam-se para a noite.
Havia doze grandes deuses, incluindo Zeus, e muitos outros menores. Os nomes dos deuses e das deusas que relacionamos a seguir aparecem em sua forma original em grego. Mas, como os romanos também adoraram muitos deles, os nomes romanos seguem entre parênteses, cada vez que esses são diferentes.

quarta-feira, 8 de junho de 2011

HISTÓRIA DO MUSEU AFRO BRASIL

Museu Afro Brasil


HISTÓRIA E CONCEITO


O Museu Afro Brasil é uma instituição pública, subordinada à Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo e administrada pela Associação Museu Afro Brasil - Organização Social de Cultura.

O Museu conserva um acervo com mais de 5 mil obras, entre pinturas, esculturas, gravuras, fotografias, documentos e peças etnológicas, de autores brasileiros e estrangeiros, produzidos entre o século XV e os dias de hoje. O acervo abarca diversas facetas dos universos culturais africanos e afro-brasileiros, abordando temas como a religião, o trabalho, a arte, a diáspora africana e a escravidão, e registrando a trajetória histórica e as influências africanas na construção da sociedade brasileira.

O Museu Afro Brasil é um museu histórico, artístico e etnológico, voltado à pesquisa, conservação e exposição de objetos relacionados ao universo cultural do negro no Brasil. Localiza-se no Parque do Ibirapuera, em São Paulo, no "Pavilhão Padre Manoel da Nóbrega" – edifício integrante do conjunto arquitetônico do parque projetado por Oscar Niemeyer na década de 1950. Oferece diversas atividades culturais e didáticas, exposições temporárias, conta com um teatro e uma biblioteca especializada.

Inaugurado em 2004, o Museu Afro Brasil nasceu por iniciativa de Emanoel Araujo, artista plástico baiano, ex-curador da Pinacoteca do Estado de São Paulo e atual curador do museu. Em 2004, Araújo - que já tentara frustradamente viabilizar a criação de uma instituição voltada ao estudo das contribuições africanas à cultura nacional - apresentou a proposta museológica a então prefeita de São Paulo, Marta Suplicy. Encampada a ideia pelo poder público municipal, iniciou-se o projeto de implementação do museu. Foram utilizados recursos advindos de patrocínio da Petrobrás e do Ministério da Cultura (Lei Rouanet).

Para formar o acervo inicial, Emanoel Araujo cedeu 1100 peças de sua coleção particular em regime de comodato. Ficou decidido que o museu seria instalado no Pavilhão Padre Manoel da Nóbrega. A 23 de outubro de 2004, o Museu Afro Brasil foi inaugurado, na presença do Presidente Luís Inácio Lula da Silva e de outras autoridades.

O Pavilhão Padre Manoel da Nóbrega
O Pavilhão Padre Manoel da Nóbrega, originalmente denominado Palácio das Nações, é um dos edifícios integrantes do conjunto arquitetônico do Parque do Ibirapuera, projetado por Oscar Niemeyer para as comemorações oficiais do IV Centenário da Cidade de São Paulo. O projeto, encomendado ao arquiteto por Ciccillo Matarazzo, pretendia transformar o novo parque da cidade em um centro irradiador de arte e cultura. O edifício, pertencente à prefeitura, encontrava-se cedido ao Governo do Estado desde 1992 e abrigou por um tempo uma extensão da Pinacoteca do Estado. Em 2004, retornou à administração municipal e passou por adaptações para receber o museu. O edifício possui 11 mil metros quadrados de área construída, divididos em três pavimentos. Além dos espaços expositivos, áreas de atuação didática, reserva técnica e escritórios administrativos, abriga a Biblioteca Carolina Maria de Jesus e o Teatro Ruth de Souza.